사람들이 말하듯 사진 한 장이 천 마디의 말만큼 가치가 있다면, 티보 그레베는 자신의 이미지가 스스로 말하기를 원한다. 각 이미지는 고유한 우주를 품고 있어, 우리가 살아온 현실과 더 숭고한 어딘가 사이를 떠다닌다. 긴 노출로 흐르는 신체가 촘촘한 리본처럼 흘러내리고, 잘라낸 얼굴의 응시가 곡물 밭을 꿰뚫는가 하면, 다른 것들은 스스로 점점 녹아들어 흐려진다. 프레임을 흘려보냄으로써 그는 순간 속에서 살아간다는 느낌을 단순히 바라보는 것보다 더 정밀하게 만든다.
프랑스의 시골에서 태어나 현재 파리에서 활동하는 감독-사진작가인 그는 스스로 카메라를 다루기 시작했고, 본능과 순수한 호기심을 스승으로 삼았다. 어릴 때 가족의 VHS를 집어 들고 모토크로스 주행과 스케이트 클립을 촬영했다. 대학에서 그래픽 디자인을 배워 이미지 배열에서 창작으로 나아갔다. 이제 그는 에디토리얼의 주류로 자리 잡았지만, 그 모든 것이 그의 “계획”의 일부였다고 말하는 이는 없다.
그의 피사체를 포착하는 방식에는 영원함이 있다. 커버 작업이든 뮤직 비디오든, 캠페인이든 개인 프로젝트든, 예를 들면 Blurred. 그의 고객 목록은 방대하다— BMX 라이더와 벤츠 차주들, 랩 씬의 거물들, 스트리트웨어 레이블과 럭셔리 하우스까지—그리고 이 화려한 세계에서 번영했음에도, 그는 프로젝트의 규모가 자신의 비전을 무겁게 누르게 두지 않는다.
뉴욕 시 발레단으로부터의 연락은 그의 경력에서 ‘완벽한 시점’에 닿아 있었다. 그레베는 그들의 연례 Art Series에 참가해 회사를 위해 연작을 만들고, 이 작업은 다음 달에 발매되는 그의 두 번째 사진집 Ballet에 수록될 예정이었다. 발레 무용수들과의 작업은 전에는 한 적이 없었지만, 이 기회는 그의 예술적 과거와 현재를 자연스럽게 하나로 잇는 결합으로 다가왔다: 육체성·근육미가 통제된 구도와 만나는 만남.
링컨 센터에서, 그레베가 이 새로운 연극적 주목 아래로 걸어들어가자 박수 소리가 커져 간다. 특별한 Art Series 공연 중 하나의 무대 앞에서 전석 앞에 인사하라는 요청을 받았다. 문 바로 옆4층 규모의 솔로 무대가 있더라도, 그는 겸손하게 자신의 자리에 머물렀다. 작가의 신비로운 분위기를 유지하며 사진이 말을 하게 하는 그의 방식이다.
이 Through the Lens에서, Hypeart는 그레베와 대화를 나눴고, 그의 작업 방식과 무용 세계에 처음 진입한 경험, 그리고 완벽한 샷의 규범 여부 혹은 부재에 대해 더 알아보았다.
“It really comes down to curiosity — trying things out and being a bit innocent about it.”
당신의 예술적 자양에 대해 설명해 줄 수 있나요? 그래픽 디자인을 공부했고 그것이 사진으로 이끌었다고 들었습니다.
그렇게 말하는 것은 낭만적으로 들리죠. 고등학교를 졸업한 뒤에 내가 무엇을 하고 싶은지 전혀 몰랐어요. 사진이나 영화나 패션을 공부하지 않았고, 친구들과 촬영하며 즐기고 배우는 것이 전부였죠.
저는 그래픽 디자인 프로그램이 있는 학교에 입학했고, 레이아웃을 하는 일에 반해버렸어요. 나중에 잡지의 디자인 인턴으로 일하면서 비디오와 사진에 더 많이 노출됐고, 모든 것이 결국 하나로 돌아왔습니다.
내가 모든 사진학 지식을 다 갖춘 건 아니에요. 제게 진짜 중요한 것은 호기심이에요 — 무언가를 시도해 보고, 다소 순수하게 임하는 것. 아직도 많이 배우고 있습니다.
호기심이 이끌어 준 다른 경로들은 무엇이 있나요?
한 번은 현장에서 제 비전을 설명하기가 어려워 3D를 배우게 되었어요. 대단한 것은 아니지만 이제 세트 디자이너와 더 잘 소통할 수 있습니다. 언어도 마찬가지예요; 애프터 이펙트와 프리미어 튜토리얼을 보며 영어를 배웠죠.
패션에 입문하게 된 계기는 무엇이었나요?
가장 처음 작업한 브랜드가 Vans였어요. 수영, 스케이트보드, BMX를 다루는데, 제가 이 스포츠들을 다 해봤기 때문에 그리 느꼈죠.
상업 작업과 개인 작업 사이의 균형은 어떻게 잡나요?
요즘은 예술적으로 더 자유롭고 상업 작업을 하는 것이 더 받아들여지지만, 예전에는 그게 같지 않았습니다. 광고 감독이라면 장편 영화를 연출하진 않겠지만, 그 경계는 점점 흐려지고 있습니다.
이럴 거라고는 상상도 못했습니다. 그래서 흐름을 타고 가게 되었죠. 예전에 Billy Elliott을 보던 기억이 나는데, 지금은 20년이 흐른 뒤 뉴욕 시 발레단에서 개인 전시를 하게 되었어요. 보이지 않는 에너지가 당신을 그 곳으로 이끈다고 느낄 때가 있습니다. 발레는 당연히 스케이트보딩 세계와 완전히 다릅니다. 완전히 다릅니다.
“If an athlete is risking their lives to do a trick, you can’t miss the shot.”
당신이 촬영하는 라이더이든 발레리나이든, 완벽한 샷을 시간을 맞추는 방법은 무엇인가요?
모든 스포츠에는 그것을 포착하는 규칙이 있어요. 그래서 발레의 코드를 존중하면서 제 시각을 어떻게 도입할지 고민하는 게 도전적이었죠. 또한 연습과 바로 그 순간에 클릭할 수 있는 기술이 필요합니다. 선수가 트릭을 위해 목숨을 걸고 있다면 샷을 놓칠 수 없죠. 사용자 가이드는 없지만, 뭔가를 포착해야 한다는 직감이 생깁니다. 제 경험에서 배운 바입니다.
당신의 작업 방식에 따로 규칙이나 코드를 가지고 있나요? 의식이나 루틴이 있나요?
특별한 루틴은 없어요. 예기치 않은 일이 벌어지길 바라며 흐름에 맡기려 해요. 그러나 이 단계를 지나 영화 작업을 할 때는 원하는 모든 것을 미리 구상해야 해요: 배경, 촬영 대상, 의상까지. 세트에 갈 때는 최대한 준비하려 하지만, 느낌으로 작동하는 부분도 있어요. 발레 촬영에서는 멀티캠 효과, 흑백 상자, 동기화된 플래시를 계획했지만, 클로즈업 샷과 무용수의 자세는 순간에서 나왔죠.
뉴욕 발레 아트 시리즈가 어떻게 시작되었나요?
발레단이 새 시즌 촬영을 요청했고, 그다음 바로 아트 시리즈를 맡게 되었습니다. 이 프로젝트는 2024년 2월에 촬영했고, 정말 특별했습니다. 팀 전체가 훌륭했고요.
저는 이 업계에서 스케이트 비디오로 시작해 배낭을 메고 다녔고, 그다음으로 패션에 깊이 빠졌습니다. 발레는 이 두 세계를 하나로 합칩니다; 스포츠이기도 하지만, 어떻게 옷을 입고, 어떻게 행동하고, 어떻게 포즈를 취하는지 때문에 패션 세계와도 밀접합니다. 그래도 그 안에는 여전히 진정성이 남아 있습니다.
사진작가로서 본능적으로 움직이는 방식이 다양한 피사체에 적용된다면, 발레에서 놀랐던 점이 있나요?
무용수의 놀라운 점은 몸을 활용해 사진적 요소를 가장 잘 보여줄 수 있는 방식으로 조정한다는 것입니다 — 손가락, 손, 어깨의 위치를 조정하고 다리의 긴장을 얼마나 주느냐를 정확히 알고 있습니다. 관객의 시선에 따라 몸이 어떻게 반응하는지 이해하고, 카메라도 같은 방식으로 작동합니다.
발레는 인간 행동에서 깊은 영감을 얻어 사진 찍기가 훨씬 수월합니다. 저는 제논 밀리(Gjon Mili)에게서 영감을 받았습니다. 움직임을 만들고 분해하는 법, 그리고 그 사이에 일어나는 모든 것을 이해하는 것이 춤의 핵심이라고 여겼죠.
“When you do what I do, you need people that can be your family, your friend or your collaborator. ”
“We Exist In Time”라는 시리즈를 위해 만든 영화에 대해 좀 더 자세히 말해줄 수 있나요?
이 캠페인은 “Performance”라는 이름으로 시작되었기에, 영화를 쓰기 시작했을 때 그 컨셉을 여러 층으로 나누었습니다. 시작 부분의 차분함은 어떠한 스포츠에서도 준비의 순간을 반영합니다. 스톱 모션은 연습과 반복을 나타냅니다. 촬영하는 동안 매 순간을 외치며 “그리고 가자, 가자”를 외쳤죠. 그 뒤에는 숨을 들이마시고 크게 점프할 준비를 하는 순간이 있습니다. 그래서 마지막에 멀티캠 효과를 사용해 한 번의 샷에 더 많은 것을 담았습니다.
이 영화는 퍼포먼스를 은유합니다. 편집에 거의 아홉 달이 걸렸지만 정말 특별했고, 이 프로젝트는 제 인생에서 몇 번이나 찾아올 수 없을 유형입니다.
스포츠, 예술, 퍼포먼스 사이의 연결을 만들어 발레를 비무용가들에게 더 이해하기 쉽게 만든다면, 음악과 미술에서의 작업이 발레관객의 폭을 넓히는 데 어떤 역할을 했나요?
바로 그것이죠. 제가 초대한 사람들 중 일부도 뉴욕에서 발레를 본 적이 없었습니다. 프로그램 큐레이션은 정말 영리해서 젊은 관객층을 끌어들이죠.
예술가로서의 당신의 여정에서 주목할 만한 인물들은 누구인가요?
제가 하는 일을 할 때, 가족이 되거나 친구가 되거나 공동 작업자가 될 수 있는 사람들을 필요로 합니다. 이 촬영에 함께하는 영화 촬영감독 조아오 드 보테루오(Joao De Botelho)와 조명 디렉터 피에르 노와크(Pierre Nowak)와 함께 크게 성장했습니다. 이 두 사람은 7년째 제 곁에 있습니다.
지금은 상당한 양의 작업이 쌓였고 사람들은 제가 하는 일을 사랑합니다. 하지만 어떤 것도 확정되어 있지는 않습니다. 자신의 작업이나 직업에서 오는 고독감이 있을 수 있습니다. 제가 여기 있는 이유는 제가 신뢰할 수 있는 사람들 덕분입니다.
그 어려움을 어떻게 헤쳐나가나요?
저는 파리에 자주 있지만, 가능하면 시골로 가곤 해요. 이 업계와 전혀 관계 없는 친구들이 밖에 있습니다. 이웃들이 숲에서 버섯을 모으는 방법을 알려주곤 하는데, 그들은 더 단순한 삶을 살죠. 그것은 제 비전을 뿌리로 내려 주는 힘이 됩니다. 그것이 제게 중요합니다.
“지금 나에게 가장 중요한 것은 시간을 초월하는 무언가를 만드는 것이다.”
당신의 작품을 전시하기 가장 꿈꾸는 장소는?
박물관.
최근의 캠페인 외에 다른 개인 프로젝트는 무엇인가요?
아직도 하고 싶은 것이 많습니다. 가장 큰 바람은 예술가들을 모을 수 있는 공간, 예를 들면 작업실을 만드는 것이에요. Far라는 책의 콘셉트도 계속 진행 중이고, 언제가 영화 한 편을 만들고 싶기도 해요. 그럴지 여부는 아직 미지수지만 늘 생각하고 있습니다.
당신의 경력이 이끈 가장 미친 곳은 어디인가요?
말하기 어렵습니다. 저는 아직도 그 여정에 있고, 혼자 혹은 친구와 촬영할 때도 큰 생산물에 참여할 때만큼이나 사랑에 빠져 있습니다. 이제 이 전시를 열고, 기발한 프로젝트를 수행했으니, 지금 제게 가장 중요한 것은 시간을 초월하는 무언가를 만드는 일뿐입니다.
모든 사진은 Thibaut Grevet와 Division의 Hypeart의 협업에서 온 것. 뉴욕 시 발레단의 설치 이미지는 Andy Romer가 촬영했습니다.